Photographe basé à Genève, Greg Pepper n’est pas n’importe quel artiste, il a capturé des moments incroyables de l’histoire tout comme son grand-père – David Paynter. Il a accepté de nous laisser plonger dans son univers photographique en répondant à quelques questions.
Beaucoup de vos photos ont été prises en Chine, y a-t-il une raison à cela ?
Il n’était pas nécessairement prévu que bon nombre des photos que j’expose proviennent de Chine. Il se trouve que j’ai passé environ 9 mois au total en Chine ces 4 dernières années dans le cadre d’un master que je faisais entre Londres, Pékin et Singapour. J’ai passé 4 mois à l’Université Tsinghua de Pékin dans leur académie d’art et de design. Ce même été, j’ai visité de nombreuses provinces chinoises pendant 2 mois, puis j’ai fini par travailler à Shenzhen (au sud-est de Hong Kong). J’étais également en couple avec une merveilleuse femme chinoise, alors j’ai fini par passer du temps là-bas avec elle et sa famille.
Quel est le processus derrière le cliché « parfait » pour vous? Avez-vous une vision et lui donnez-vous vie? Inspiré par ce que vous voyez et suivre le courant des choses?
C’est un processus à double sens dans le sens où j’ai eu deux ou trois grandes influences sur ce qu’est une bonne photo.
Tout d’abord, mon grand-père, photographe primé: David Paynter. Il a remporté le prix World Press Photographer en 1968 pour une photographie qu’il a prise d’un coureur de fond aux Jeux olympiques du Zimbabwe. C’est une belle photo de cet homme courant près d’un train à vapeur qui est, je trouve, exceptionnelle. J’ai grandi près de mon grand-père, j’entendais donc constamment les histoires qu’il vivait et me montrais les photographies qu’il prenait. Il a pris beaucoup de photos intemporelles capturant des moments de l’histoire – il était présent dans de nombreux pays africains dans les années 60 et 70, lorsqu’ils accédaient à l’indépendance. Beaucoup d’inspiration là-bas.
Je suis allé au collège Calvin – j’ai étudié l’histoire de la photographie et l’art contemporain. J’ai donc grandi avec Robert Doisneau, Henri Cartier-Bresson, Robert Capa, Andreas Gursky… Robert Frank m’a aussi beaucoup inspiré.
Une bonne photographie en termes de composition, de mise en page, d’histoire et de sentiments est un processus à double sens. Oui, je l’ai en tête mais je le sens aussi, je sais quand quelque chose est exactement comme je veux qu’il soit mais en même temps j’ai peut-être une idée de lieu et de références pour le portrait ou l’architecture et c’est un peu des essais et des erreurs.
Qu’est-ce qui vous a inspiré pour cette pièce spécifique, s’agissait-il plutôt d’essais et d’erreurs, comment avez-vous procédé pour cette photographie ? (Église à l’état sauvage)
Toutes ont été prises à l’heure « bleue » – après le coucher du soleil avant son lever – où vous avez toutes ces différentes nuances de bleu. À cette heure-là de la soirée, nous étions allés avec mon ancien partenaire dans cette église précise du nord-est, nous étions allés la voir spécifiquement. Le processus consistait simplement à observer ce qui semblait intéressant.
Quelle est votre photographie préférée et pourquoi?
De cette série, c’est celle qui s’appelle « SELF CARE », car elle m’apporte calme et sérénité. J’ai aussi une attirance pour la simplicité visuelle, moins de bruit et le côté minimal. Ce que j’entends par bruit, c’est qu’il se passe beaucoup de choses, pas du bruit audio réel. Les couleurs sont très apaisantes, c’est pourquoi j’ai cette pièce en grand ici dans mon salon.
Une autre de mes favories est celle que j’ai pris où l’on voit ce père et sa fille passer à toute allure sur un scooter électrique. L’idée de se balader un jour avec une fille dans une ville, de manière plutôt heureuse, me parle beaucoup. Tous deux semblent heureux et à l’aise, c’est plutôt une réponse émotionnelle à la photographie.
Le troisième serait de retour en 2016. J’ai travaillé dans 15 pays d’Afrique donc toutes les 2 semaines je me rendais dans une capitale du continent africain. J’avais réalisé un projet appelé 101 African Captions, honnêtement, je ne pense pas avoir jamais atteint 101 – peut-être 60/80. Je n’avais pas l’impression d’avoir des clichés de qualité suffisante pour l’amener à 101. L’une des photos est celle d’un enfant courant dans les rues de la capitale du Rwanda, j’apprécie la photo car en soi elle est assez simple mais elle a été prise une journée spéciale pour le Rwanda. Ils organisent ce qu’on appelle la Journée de l’Umuganda, qui est essentiellement une tradition qu’ils ont instaurée après le génocide pour rassembler tout le monde, se soutenir et s’entraider. Les rues sont vides parce que tout le monde s’entraide à la maison, à l’église, nettoie les rues, etc…
Avez-vous toujours su que vous vouliez devenir photographe?
Toutes vos questions m’ont vraiment fait réfléchir. Je ne me souviens pas du moment où je me suis dit « oh, je veux être photographe », mais je me souviens avoir dit que je voulais être un inventeur quand j’avais 9 ans. J’avais fait un croquis assez médiocre de la façon dont j’inventerais un skateboard avec un moteur. Mon frère s’est même moqué de moi parce que j’avais une liste de matériaux qui venait de mentionner : Skateboard, roues et moteur. J’allais faire un skateboard avec ces 3 choses. Le concept de l’inventeur est donc apparu assez jeune, puis en 2010, avant de suivre ce cours au lycée, j’ai acheté un appareil photo – Canon 600D ou D600. Pendant un certain temps, j’avais mon appareil photo dans mon sac tous les jours, partout où j’allais. Je jouais juste avec, je filmais, etc… Je tournais un mélange de choses, beaucoup de plans urbains géométriques et je suppose que c’est là que ça a commencé.
© Greg Pepper, Blue hour symbols, continued. Aranya, 2018